Noland Flares, una mostra della serie Flare di Kenneth Noland, dipinti raramente visti dalla loro creazione agli inizi degli anni Novanta, è appena iniziata alla Pace Gallery di New York.
I galleristi di Julian Schnabel in questa mostra nella sede centrale newyorkese della galleria di Chelsea di 8 piani, mettono in esposizione i lavori Flares di Kenneth Noland, che impiegano strisce di plexiglass colorate e traslucide incuneate tra pannelli di forma irregolare.
Queste opere sono il risultato dell’esplorazione rigorosa e audace dell’artista sulle molte possibilità della pittura.
La mostra comprende circa quindici opere e si svolge al terzo piano del nuovo edificio della Pace Gallery nella 540 West 25th Street.
Alla fine degli anni ’50, Noland ruppe con l’estetica gestuale dell’Espressionismo astratto. Macchiando tela non impregnata di acrilico, realizzò dipinti con forme geometriche nette e forti contrasti cromatici, diventando uno dei pionieri della pittura a colori e della Washington Color School.
Le serie innovative, come le sue opere Circle o Chevron, sono state indagini sistematiche ma intuitive sugli elementi visivi della pittura, in particolare colore e forma. Critici e artisti eminenti hanno presto elogiato il lavoro di Noland, con l’affermazione di Donald Judd nel 1965, “ormai la rilevanza di Kenneth Noland non è discutibile; è uno dei migliori pittori”.
Una delle principali innovazioni di Flares risiede nelle strisce colorate e traslucide in plexiglass. Incastrate tra i pannelli di ogni opera, queste bande lucide attivano una complessa interazione tra colore, materiali e forma. Per Noland, i Flares sono stati “dipinti” con “componenti separati”.
Sono lavori collegati sia al collage che alla scultura, generando nuove possibilità. Rendendosi conto che il colore era inerente al plexiglass, Noland dipinse i loro lati con colori che non corrispondono alle loro superfici frontali. Questi bordi, a loro volta, richiedono che le opere siano viste come oggetti tridimensionali.
Noland era attratto dalla trasparenza del plexiglass, che secondo lui amplificava la risonanza emotiva e la presenza materiale del colore.
Diceva: “Un colore opaco e un colore lucido e trasparente sono emotivamente diversi. . . . c’è una differenza espressiva che puoi ottenere con la trasparenza, che ti offre una gamma più espressiva “.
In Grace Black (1991/1995), ad esempio, i pannelli neri austeri sono incendiati dal rosso brillante delle strisce di plexiglass dell’opera. L’opera oscilla quindi tra sobrietà e vivacità, una grande scala affettiva. Sebbene Noland abbia successivamente rielaborato alcuni dei suoi Flares nel suo studio nel Vermont, sono stati creati mentre risiedeva a Santa Barbara, dove la natura, in particolare la luce mutevole e i colori del paesaggio, lo hanno continuamente ispirato.
L’interesse di Noland per la triangolazione tra colore, materiali e forma può essere ricondotto alla sua formazione al Black Mountain College, situato nella sua città natale di Asheville, nella Carolina del Nord. Lì il suo insegnante Josef Albers sperimentò il vetro e altri materiali non tradizionali per esaminare ciò che chiamava matière, cioè “come appare una sostanza” in condizioni diverse.
La collaborazione di Noland con l’architetto I.M. Pei fu un altro precedente importante. Per il Weisner Building del MIT, nel 1985 crearono un murale che integrava arte e architettura. In questo lavoro le rientranze tra i piani piatti sono riempite di colore.
Fotoservizio dalla Pace Gallery di Chelsea, New York: Guy Hofman/The Way Magazine
