Il record dell’artista, morto all’età di 27 anni, è di 110,5 milioni di dollari, stabilito nel maggio 2017 con “Untitled” (1982). Con il suo stile a metà tra i graffiti e l’Africa, Jean-Michel Basquiat (1960–1988) è uno degli artisti più significativi e riconoscibili della fine del XX secolo. La Fondation Beyeler nel 2023 ha allestito “Basquiat. The Modena Paintings”, otto opere di grandi dimensioni che Jean Michel Basquiat dipinse nel 1982 a Modena, in Italia, per una mostra che alla fine non ebbe mai luogo.

Più di 40 anni dopo e per la prima volta, la Fondation Beyeler ha riunito otto capolavori, ora conservati in collezioni private negli Stati Uniti, in Asia e in Svizzera, che comprendono le opere più celebri e preziose di Basquiat.

La mostra arriva 13 anni dopo che la Fondation Beyeler ha allestito un’ampia retrospettiva dedicata all’artista.

Ha raggiunto la fama internazionale all’inizio degli anni ’80, quando la pittura figurativa ha vissuto una rinascita. Una delle personalità più appariscenti del mondo dell’arte,

Basquiat ha iniziato nella scena underground di New York come poeta e musicista di graffiti prima di dedicarsi completamente all’arte visiva. I suoi dipinti altamente espressivi, pieni di energia, guadagnarono presto un’ammirazione diffusa. A soli 21 anni, è stato l’artista più giovane invitato a prendere parte a Documenta 7, tenutasi a Kassel nell’estate del 1982. Sostenuto da Andy Warhol, è diventato una celebrità dell’arte internazionale.

 Figlio di padre haitiano e madre portoricana, è stato il primo artista nero a sfondare in un mondo dell’arte dominato da protagonisti bianchi.

 Oltre ad Andy Warhol, Basquiat ha lavorato anche con Keith Haring, Francesco Clemente e Debbie Harry tra altri artisti e musicisti. Fino alla sua morte improvvisa nell’agosto del 1988 e nel corso di meno di un decennio, ha prodotto un vasto corpus di opere comprendente più di 1000 dipinti e oggetti, nonché 3000 opere su carta.

Dopo il periodo di massimo splendore dell’arte concettuale e minimale negli anni ’60 e ’70, Basquiat riuscì a stabilire un nuovo linguaggio formale figurativo ed espressivo. Le sue opere, popolate di figure comiche, sagome scheletriche, strani oggetti quotidiani e slogan poetici, sono vivacemente colorate e riccamente potenti, fondendo motivi derivati ​​dalla cultura pop e dalla storia culturale, così come temi politici ed economici, in un commento critico di società dei consumi e ingiustizia sociale, in particolare il razzismo.

Basquiat tiene la sua prima mostra personale nel 1981 alla Galleria d’Arte Emilio Mazzoli di Modena, sempre sotto lo pseudonimo SAMO©, nato dalla collaborazione con il graffitista Al Diaz. Basquiat aveva attirato l’attenzione del gallerista italiano Emilio Mazzoli solo pochi mesi prima in occasione della mostra collettiva “New York / New Wave” curata da Diego Cortez al P.S. 1 Centro d’Arte Contemporanea (ora MoMA PS1) a Long Island City.

A Modena Emilio Mazzoli fornì a Basquiat locali di lavoro e forniture pittoriche per produrre nuove opere.

All’inizio dell’estate del 1982, su invito di Mazzoli, Basquiat tornò a Modena per la sua prima mostra europea sotto il suo vero nome.

A Modena Mazzoli mette a disposizione degli artisti un magazzino in cui lavorare.

Tra questi artisti c’era Mario Schifano, che per diversi anni venne regolarmente a Modena per dipingere.

 Quando Basquiat arrivò in città, si imbatté in diversi dipinti finiti di Schifano, oltre a tele preparate e vergini.

 Le loro dimensioni monumentali lo attraevano e le usò per il proprio lavoro. Basquiat produsse così un gruppo di dipinti che misuravano ciascuno almeno due metri per quattro, tutti più grandi e diversi da qualsiasi cosa avesse dipinto fino a quel giorno.

Iscrivendo sul retro delle tele l’indicazione “Modena” e la sua firma, le identificò come un gruppo coeso di opere. I disaccordi tra la gallerista Annina Nosei (che era stata rappresentante di Basquiat a New York dalla fine del 1981) ed Emilio Mazzoli portarono alla cancellazione della mostra programmata a Modena.

 In un’intervista del 1985 con il New York Times, Basquiat espresse frustrazione ripensando al suo secondo soggiorno a Modena: “Mi hanno organizzato così avrei dovuto realizzare otto dipinti in una settimana”, e lavorando nel magazzino fornito i locali gli sembravano “come una fabbrica, una fabbrica malata.

L’ho odiato.” Alla fine Mazzoli pagò Basquiat per le opere che aveva prodotto e l’artista tornò a New York.

 Le otto tele dipinte a Modena trovarono infine nuovi proprietari attraverso Annina Nosei.

Bruno Bischofberger acquistò quattro dipinti (Profit I, Boy and Dog in a Johnnypump, Untitled [Woman with Roman Torso (Venus)], The Guilt of Gold Teeth), mentre gli altri quattro entrarono in varie collezioni internazionali.

Oggi, tutti gli otto dipinti sono conservati in diverse collezioni private negli Stati Uniti, in Asia e in Svizzera.

 Mentre alcuni di essi sono stati occasionalmente riuniti in retrospettive, altri sono stati mostrati pubblicamente solo raramente.

Il progetto espositivo originariamente concepito da Emilio Mazzoli non è stato ad oggi studiato e approfondito in modo approfondito.

 Eppure, non solo i dipinti prodotti a Modena sono tra i più significativi dell’opera di Basquiat e probabilmente tra i più preziosi.

e le opere d’arte contemporanea devono essere state realizzate complessivamente da un artista; anche l’idea progettuale, alla fine interrotta, costituisce un evento significativo nella carriera artistica di Basquiat.

Sam Keller, direttore della Fondation Beyeler, afferma: “Oggi tutti i “Dipinti di Modena” si trovano in collezioni private. Alcuni di essi sono stati esposti in varie mostre di Basquiat, ma non sono mai stati riuniti ed esposti uno accanto all’altro come originariamente previsto da Basquiat.

Grazie alla nostra collaborazione di lunga data con la famiglia Basquiat e con i collezionisti Basquiat, siamo stati in grado di riunire tutti i dipinti in un unico posto, permettendoci così di recuperare un pezzo di storia dell’arte”.

 Il ciclo modenese I “Dipinti modenesi” sono accomunati da diversi motivi e stilemi: tutte e otto le opere sono dominate da una figura monumentale, spesso nera, su uno sfondo di pennellate ampie, gestuali ed espressive.

Senza titolo (Angelo) e Senza titolo (Diavolo), funzionando come un quasi dittico, presentano le figure omonime di un angelo e di un diavolo come ritratti a busto con entrambe le braccia alzate – una postura che può essere intesa sia come implorante che trionfante, e che è non solo ripetuto in altri dipinti del ciclo modenese ma più in generale ricorrente nell’opera di Basquiat.

Lo scheletro suggerito con tratti orizzontali grossolani in Untitled (Devil) così come il teschio con profonde orbite e cavità nasali definiscono anche le figure di Boy and Dog in a Johnnypump e The Field Next to the Other Road. Un altro tratto distintivo delle figure di Basquiat è il copricapo, a volte un’aureola e a volte una corona di spine, presente anche in Senza titolo (Donna con torso romano [Venere]) e Profit I.

Rispetto alle altre opere del gruppo, questi ultimi due dipinti insieme con La colpa dei denti d’oro mostrano una maggiore densità degli “scarabocchi” tipici di Basquiat.

La colpa dei denti d’oro in particolare, con le sue parole criptiche, combinazioni di numeri e simboli del dollaro, prefigura gli sviluppi successivi nel suo lavoro.

Con Untitled (Cowparts), che presenta una mucca gigantesca con sorprendenti occhi rotondi, il ciclo di Modena chiude il cerchio in quanto le spesse pennellate bianche utilizzate in Untitled (Angel) per accentuare il corpo nero ora tracciano il contorno dell’animale.

Con l’eccezione di Profit I e La colpa dei denti d’oro, in cui la combinazione di acrilico, vernice spray e stick di olio instaura un dialogo con il mezzo del disegno, il ciclo modenese enfatizza gli aspetti pittorici.

 Il collage visivo di varie immagini e parole, altrimenti così caratteristico di Basquiat, è esposto solo in modo limitato.

 Nel complesso, il repertorio modenese è meno dettagliato e frammentato e si concentra su rappresentazioni più ampie ed espansive.

Il corpo umano e quello animale sono al centro della scena.

 A differenza dei lavori precedenti, i “dipinti di Modena” non presentano le impressioni delle strade delle grandi città solitamente preferite da Basquiat.

Molti degli otto dipinti mostrano le stesse tonalità, viste ad esempio nelle distese piatte dei loro sfondi, così come un uso simile di forti pennellate rosse per enfatizzare le figure raffigurate.

Era abitudine di Basquiat lavorare su più tele contemporaneamente, poiché i diversi strati di pittura avevano bisogno di tempo per asciugarsi.

 Basquiat e la Fondation Beyeler La Fondation Beyeler e Jean-Michel Basquiat condividono una lunga storia comune: già nel 1983 Ernst Beyeler invitò l’allora ventiduenne artista a partecipare alla mostra “Pittura espressiva dopo Picasso” allestita nel suo galleria nella Bäumleingasse di Basilea.

 Basquiat era rappresentato in mostra con quattro dipinti, tra cui Philistines, 1982, era presente sulla copertina del catalogo della mostra.

Con la donazione del disegno Black Man del 1982 dalla Collezione Renard, un’opera dell’artista fa parte della collezione del museo dal 2013.

 Nel 2010, la Fondation Beyeler ha presentato la prima grande retrospettiva museale dell’opera di Basquiat in Europa.

La mostra della Fondation Beyeler presenta i dipinti di Basquiat in una delle sue gallerie principali accanto a uno spazio multimediale adiacente, che colloca i dipinti di Modena nel loro contesto storico e consente ai visitatori di immergersi nella vita e nell’arte di Basquiat attraverso brevi sequenze filmate.

 La mostra è curata da Sam Keller, direttore della Fondation Beyeler, insieme a Iris Hasler, curatrice associata della Fondation Beyeler.

 Un catalogo della mostra sarà pubblicato da Hatje Cantz Verlag, Berlino in tedesco e inglese, ripercorrendo lo sviluppo del concetto espositivo originale fino alla sua cancellazione nel 1982 e fornendo un’introduzione a ciascuno dei dipinti prodotti a Modena.

Conterrà saggi di Dieter Buchhart, Iris Hasler, Fiona Hesse, Michiko Kono, Regula Moser, Demetrio Paparoni e Jordana Moore Saggese. La mostra è generosamente sostenuta da: Beyeler-Stiftung Hansjörg Wyss, Fondazione Wyss Thomas und Doris Ammann Stiftung Kenneth C. Griffin FX & Natasha de Mallmann Collezione Nicola Erni Annetta Grisard L. + Th. La Roche-Stiftung e altri mecenati privati che desiderano rimanere anonimi. Stampa l’immagine

La Fondation Beyeler a Riehen vicino a Basilea è rinomata a livello internazionale per le sue mostre di alto livello, la sua straordinaria collezione di arte moderna e contemporanea, nonché il suo ambizioso programma degli eventi. L’edificio del museo è stato progettato da Renzo Piano nell’idilliaca cornice di un parco con alberi secolari e laghetti di ninfee. Vanta una posizione unica nel cuore di un’area ricreativa locale, affacciata su campi, pascoli e vigneti vicino ai piedi della Foresta Nera. In collaborazione con l’architetto svizzero Peter Zumthor, la Fondation Beyeler sta costruendo un nuovo edificio museale nel parco adiacente, valorizzando così ulteriormente l’armoniosa interazione tra arte, architettura e natura.